La magie du studio d'enregistrement
La magie de l'enregistrement en studio ne s'est jamais éteinte...
Ce matin, j'ai conduit mon fils à l'aéroport de Barcelone. Il était venu nous rendre visite et rentrait chez lui à Toronto. Nous avons eu le temps de discuter. Tout a commencé par des commentaires sur la musique que nous écoutions dans la voiture, Pink Floyd. Il a fait remarquer qu'il avait fallu beaucoup de travail pour obtenir ce son et, à partir de là, nous avons discuté de la manière dont la musique est enregistrée.
Il aime la musique, il est très ouvert d'esprit, il joue de quelques instruments ; sa collection de vinyles est assez importante et on y trouve de tout, du jazz des années 40 et 50 à Kendrick Lamar et Jacob Collier. Il a donc une idée de ce dont il parle. Il a également mentionné qu'il y a tellement de musique de nos jours et qu'elle est très facile d'accès. Il a également noté que le son général a changé au fil des ans, et ce n'est pas dû aux changements technologiques. Il a également remarqué des sortes de sons spécifiques et un changement constant de la couleur du son au fil du temps. Il a raison, et nous en avons discuté plus longuement.
Sur le chemin du retour, après l'avoir déposé à l'aéroport, je me demandais s'il y avait une conclusion à ce que nous avions discuté. La réponse est affirmative.
D'une certaine manière, le point de départ était qu'il y a tellement de musique aujourd'hui et qu'elle est facilement accessible ; cependant, une grande partie de cette musique n'est pas vraiment pertinente et il faut du temps pour trouver de la musique pertinente. En effet, la technologie a démocratisé la production musicale et de plus en plus de personnes peuvent enregistrer et produire leur propre musique et la télécharger sur différentes plateformes.
Mais cela s'accompagne d'un paradoxe : certains filtres semblent avoir été supprimés entre la production musicale et l'auditeur.
Dans les années 1950 et 1960, le modèle commercial de la musique reposait sur le contrôle créatif des maisons de disques, qui signaient des musiciens et investissaient en eux. À l'époque, de nombreuses maisons de disques possédaient leurs propres studios ou travaillaient avec de grands studios d'enregistrement. Les maisons de disques disposaient de leurs propres agents de recherche et de développement, qui cherchaient à recruter des talents pour des œuvres musicales originales. À l'époque, on gagnait de l'argent en vendant des albums. Lorsqu'une maison de disques signait un artiste, elle lui fournissait un budget et l'artiste se rendait dans un studio professionnel avec des professionnels pour enregistrer sa musique.
À l'époque, un studio représentait un investissement important, et tout le monde ne pouvait pas se permettre d'aller enregistrer. Les maisons de disques, par le biais de leur processus de sélection, s'assuraient qu'elles promouvaient des personnes talentueuses et originales. Peu importe à quel point elles poussaient les artistes, l'espace et l'acoustique du studio, les producteurs et les ingénieurs contribuaient énormément à la musique. Je ne pense pas qu'il soit exagéré de dire que vous reconnaissez peut-être le son Blue Note (combien d'entre vous connaissent Rudy van Gelder ?), ou le son Abbey Road, ou le son Capitol Tower.
C'était une époque où un studio était en fait un instrument et un lieu magique. L'un des premiers endroits vraiment magiques a été les studios Sun dans les années 1950, créés par Sam Philips. Son idée était d'enregistrer des gens et de vendre les bandes. Il lui a fallu un peu plus d'un an pour connaître le succès, car il a trouvé des talents pour enregistrer dans son studio (qui était en fait un ancien garage de 7 mètres sur 12 et une petite salle de contrôle), des talents comme Howlin'Wolf, BB King. Le studio est rapidement devenu l'un des principaux lieux de naissance du rock'n roll, et Sam a découvert et lancé les carrières d'Elvis Presley, Roy Orbison, Johnny Cash et Carl Perkins. Sam avait l'oreille fine et a perfectionné l'écho slapback et le delay à bande.
Le bâtiment Capitol Tower a été réalisé par Capitol Records, sur les plans de l'ingénieur acousticien Louis Nadorf. C'est là que Michael Rettinger a mis au point les principales techniques de studio, et les résultats peuvent être entendus sur les disques de Frank Sinatra, Peggy Lee, Nat "King" Cole, The Beach Boys. Les "chambres d'écho" de Capitol sont célèbres et constituent l'ingrédient principal de la création du son des Beach Boys - le classique "Good Vibrations".
À la fin des années 1950, Rudy Van Gelder ouvre son studio à Englewood Cliffs, dans le New Jersey. Sa salle d'enregistrement avait un plafond de 13 mètres de haut et il avait l'habitude de dire : "J'ai construit le studio, j'ai créé le son" : "J'ai construit le studio, j'ai créé l'environnement, j'ai choisi, installé et fait fonctionner l'équipement. On pourrait faire l'analogie suivante : quelqu'un voulait envoyer un homme sur la lune, mais c'est l'ingénieur qui l'y a conduit. Mon objectif est de faire sonner les musiciens comme ils veulent être entendus". Le son des Blue Notes peut être entendu sur des enregistrements d'Art Blackey, Joe Henderson, Miles Davis et Cannonnball Adderley. À la même époque, RCA a ouvert un studio à Nashville et s'est fait connaître en produisant le son emblématique du type Nashville.
Les sons produits par ces studios sont légendaires ; cependant, dans les années 1960, les nouveaux studios sont devenus un peu le centre d'attraction artistique. Avec l'évolution de la technologie et la banalisation de l'enregistrement sur 8 pistes dans les années 1960, l'importance des producteurs de musique s'est accrue. Les règles de ces studios étaient plus souples et les outils dont ils disposaient permettaient d'expérimenter davantage.
Je citerai ici quelques studios britanniques, principalement le Trident, basé à Soho, à Londres - où Queen a enregistré ses quatre premiers albums, David Bowiem T-Rex, Lou Reed et bien d'autres. Les autres studios sont l'Olympic Studio à Barnes (Rolling Stones, Jimmy Hendrix), Britannia Road à Islington (Pink Floyd, Joy Division) et, bien sûr, Abbey Road.
Abbey Road - l'ancien studio d'EMI - est peut-être le plus connu, grâce à son approche innovante et à la longue liste de groupes et d'artistes qui y ont enregistré - Beatles, Pink Floyd, Duran Duran, Lady Gaga, Radiohead, Ed Sheeran. Le studio a son propre charme et son propre caractère, une acoustique fantastique et, ce qui est peut-être le plus important, il a complètement changé le concept selon lequel le studio est un endroit où une performance peut être capturée naturellement et avec précision, et il est devenu un outil qui permet et encourage l'effort créatif.
De nombreux autres studios méritent d'être mentionnés : Hitswille USA - Motown, Hansa Tonstudio à Berlin, Air Studio à Londres, Chess Records. Ils ont tous été, dans une large mesure, un véritable outil de création. C'était un endroit où les gens étaient extrêmement compétents, avec une acoustique fantastique et de grands instruments, de véritables centres musicaux. Il faut savoir qu'avant que l'artiste n'entre dans les studios, il y avait ce filtre imposé par les maisons de disques. Elles choisissaient les artistes, et elles le faisaient bien. Une fois en studio, les artistes ont eu le temps d'expérimenter, ils ont été aidés et ont travaillé avec de bonnes personnes (ingénieurs, producteurs) et les résultats ont été fantastiques. On disait qu'une maison de disques gagnait de l'argent si un artiste sur neuf réalisait des ventes importantes. Soit un rapport de 1 à 9. Aujourd'hui, à l'ère du numérique, ce rapport est de 1 sur cent mille, voire pire. Cela doit faire réfléchir les artistes.
L'ère numérique a changé à peu près tout : la puissance d'un ordinateur étant énorme, le coût de production de la musique a chuté de façon spectaculaire, ce qui permet à presque tout le monde d'enregistrer une chanson. Mais surtout, l'ère numérique a changé le modèle économique de la musique. Les budgets des grandes maisons de disques n'existent plus. Cela a entraîné la fermeture de nombreux studios d'enregistrement. Par ailleurs, la plupart des grands professionnels ont ouvert leurs propres studios, car les exigences en matière d'investissement ont diminué, et sont devenus indépendants. Les coûts de production de la musique ont considérablement baissé, mais les revenus tirés des albums de musique ont également chuté de manière spectaculaire. De plus en plus de maisons de disques travaillent avec des studios professionnels de taille moyenne ou petite.
Aujourd'hui, les grandes maisons de disques ne signent que des contrats à 360°, ce qui signifie qu'elles ont une part du gâteau et ne signent que des artistes qu'elles peuvent promouvoir par des concerts. Ce n'est pas nécessairement une mauvaise chose, étant donné que de nombreux concerts sont organisés par des artistes locaux et qu'ils sont capables de s'autogérer.
Pour en revenir à l'idée du studio, tout a-t-il été perdu par rapport à l'âge d'or du studio ? Non, pas vraiment. En effet, il y a moins de studios comme Abbey Road et Capitol, avec leur acoustique fantastique, mais il y a de plus en plus de petits et moyens studios où l'on peut très bien produire sa musique. Bien sûr, il faut du bon matériel, une bonne acoustique, des instruments de premier ordre, une bonne ambiance et des ingénieurs/producteurs expérimentés, mais pour un artiste indépendant, c'est une bonne chose, car c'est plus accessible à l'ère du numérique. Alanis Morissette et Greg Ballard avec "Jagged little pill" ont ouvert la voie et montré que c'était possible.
Le concept du studio comme lieu de création n'est pas mort ; en fait, avec les progrès de la technologie, il y a tellement plus de possibilités. Et je dirais que la chose la plus importante, en produisant de la musique dans un vrai studio, est en fait le moment où vous pouvez avoir l'opportunité de mettre des filtres vous-même, d'explorer mieux vos idées en vous basant sur l'expérience du studio, surtout si vous travaillez dans un endroit magique avec des gens professionnels. C'est bien mieux que de produire soi-même sa musique, à condition d'être sérieux et de croire en soi. C'est à l'artiste de reconnaître et de trouver la magie lorsqu'il choisit un studio.
Écrit par Florin Buciu, ingénieur du son et producteur chez Fandango Recording à Calonge, en Espagne. Depuis 1997, Florin aide les artistes à donner vie à leurs récits émouvants grâce à l'enregistrement, au mixage, au mastering et à la production.Tags: Studio d'enregistrement, Studio d'enregistrement de premier plan, Studio d'enregistrement de niveau intermédiaire, Studios de projet, Studios de producteurs de musique, Studios à domicile
